lunes, 1 de diciembre de 2014
domingo, 30 de noviembre de 2014
Comercial de TV, Halo: The Master Chief Collection - We Will Rock You
En este video se muestran fragmentos muy cortos de los cuatro videojuegos de la famosa saga de Xbox, Halo, un paquete nuevo que incluye el primer Halo, Combat Evolved, remasterizado desde 2011, el Halo 2 remasterizado recientemente por su dècimo aniversario, el Halo 3, con las mismas caracteristicas que dejó la compañía Bungie y el Halo 4, también se ven fragmentos de juegos en multijugador, todo esto a cargo de Microsoft y 343 Industries, después de que Bungie se separara. Estos fragmentos están sincronizzados con la canción de la banda de rock, Queen, We Will Rock You, del álbum News of the World (1977). Esto muestra hasta donde han evolucionado los videojuegos, haciéndolos extremadamente realistas en cuanto a gráficas, la resolución y modos de juego online han llegado a un punto que casi deja olvidados a sus predecesores de Bungie, esto sólo puede conseguirse en la nueva consola Xbox One, ya que el 360 no tiene capacidad para estos juegos. Halo es una de las franquicias más populares y exitosas de la historia y este comercial de menos de un minuto personalmente me ha cautivado mucho para obtenerlo, sólo falta un poco de ahorro.
sábado, 8 de noviembre de 2014
Mamma Mía!
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Título original: Mamma Mia!
Dirección: Phyllida Lloyd
País: El Reino Unido, Estados Unidos, Alemania
Año: 2008
Duración: 108 min.
Género: Romance, Comedia, Musical
Reparto: Amanda Seyfried, Stellan Skarsgård, Pierce Brosnan, Nancy Baldwin, Colin Firth, Heather Emmanuel, Colin Davis, Rachel McDowall, Ashley Lilley, Meryl Streep, Julie Walters, Christine Baranski, Ricardo Montez, Mia Soteriou, Enzo Squillino Jr
Argumento
Sophie Sheridan (Amanda Seyfried) es una chica de veinte años residente en el hotel de su madre, situado en una isla griega, que está a punto de casarse con Sky (Dominic Cooper). Su madre, Donna (Meryl Streep), nunca le ha dicho quién es su padre. Cuando Sophie encuentra el antiguo diario de su madre, encuentra la dirección de tres hombres que podrían ser su padre y decide invitarlos a su boda sin que su madre se entere.
Todo se complica cuando Sam Carmichael (Pierce Brosnan), Harry Bright (Colin Firth) y Bill Anderson (Stellan Skarsgård) llegan a la isla y se encuentran con Sophie y Donna, la última apoyada por sus dos mejores amigas, Rosie (Julie Walters) y Tanya (Christine Baranski).
Todos juntos intentarán resolver el misterio de quién es el verdadero padre de Sophie y quién la llevará al altar.
Análisis
El fragmento de la película que se vio en clase muestra semioticamente la cultura musical y social en la que vivían los 3 amantes de Donna y la misma Donna y sus amigas, en comparación a Sophie y sus amigas, que cantan canciones más juveniles y románticas, mientras los adultos mayores cantan canciones más pop y de disco y canciones socialmente influyentes en su época, está muy marcada la diferencia en sus vestuarios, formas de hablar y demás. la mayoría de las canciones están basadas en las de el grupo ABBA
Esta es una adaptación del musical creado por Catherine Johnson y es uno de los más conocidos e influyentes de todos los tiempos, sobre todo en el segmento femenino juvenil, que podría decirse es su principal público.
Mamma Mia! recibió criticas positivas. Tiene un 53% de comentarios positivos en "'Rotten Tomatoes. La actuación de Meryl Streep ha sido aclamada por los críticos, de los cuales varios notaron que Streep puede cantar y hacer una comedia a lo grande. Emanuel Levy escribió que Meryl Streep puede hacer cualquier papel, por algo es la actriz más nominada a los oscar. Universal Studios y Playtone lanzaron una campaña publicitaria que constó de la publicación de nueve pósters, ocho de ellos estadounidenses y uno francés. La compañía también lanzó cinco avances, dos de ellos en formato corto y tres para los cines. La publicidad de Mamma Mia! logró juntar públicamente a los cuatro miembros del grupo musical ABBA, después de más de 20 años de no ser fotografiados juntos. Desde el estreno del musical en 1999, se han hecho producciones alrededor del mundo anualmente.
Personalmente no es algo que me llame la atención, como mencioné antes creo que es un producto más femenino pero estoy consiente de su popularidad y de lo bien que se manejó el proyecto de hacerlo película
Referencias
mamma-mia.com
Críticas
IMDB
Ficha Técnica
sábado, 1 de noviembre de 2014
Mapa Semiótico (Cronos - El Espinazo del Diablo - El Laberinto del Fauno)
COMPARACIONES Y SIMILITUDES
miércoles, 29 de octubre de 2014
Cronos
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Título Original: Cronos
Nacionalidad: México
Año: 1993
Género: Drama,
Terror
Duración: 94 min.
Director: Guillermo
del Toro
Guión: Guillermo
del Toro
Fotografía: Guillermo
Navarro
Formato: Analógico
Música: Javier
Álvarez
Producción: Arthur
Gorson, Bertha Navarro
Producción asociada: Jorge
Sánchez, Julio Solórzano Foppa, Rafael Cruz
Reparto:
Federico Luppi ... Jesus
Gris
Ron Perlman ... Angel de la Guardia
Claudio Brook ... De la Guardia
Margarita Isabel
... Mercedes
Tamara Shanath
... Aurora
Daniel Giménez Cacho ... Tito
Argumento
En 1535, un alquimista construye un extraordinario mecanismo
encapsulado en un pequeño artefacto dorado en forma de escarabajo. El
artefacto, diseñado para brindar vida eterna a su poseedor, sobrevive hasta
1997, cuando es descubierto por un anticuario de apellido Gris. Mientras éste
revisa el artefacto, de repente el mismo exuda unas pequeñas "piernas de
araña" que le agarran fuertemente mientras una aguja le inyecta una
solución no identificada en su piel. El espectador ve más tarde que el insecto
produce la solución. Sin embargo, Gris no tiene conocimiento de estos detalles.
El anticuario descubre que el artefacto extrae su sangre,
pero a cambio su salud y vigor regresan en abundancia, como en su juventud. Su
piel pierde las arrugas, su cabello crece y aumenta su apetito sexual. Pero a
la vez también desarrolla una sed de sangre. Esto al principio le repugna, pero
finalmente sucumbe a la tentación.
Un empresario rico y agonizante, Dieter De la Guardia, sabe
de la existencia del dispositivo y se ha dedicado a acumular información sobre
el mismo durante muchos años. Cuando descubre que el artefacto se encontraba
oculto en una estatua que le había llegado a Gris, envía a su sobrino Angel a
buscarlo. Esto aflige a Angel, ya que él odia a su tío y espera su muerte para
poder apoderarse de la herencia. Sin embargo, el anticuario no está dispuesto a
entregar el artefacto, ya que ha desarrollado una necesidad de usarlo, y además
detecta que un hombre como De la Guardia lo utilizaría para el mal. Con el paso
del tiempo Gris pone en peligro a su joven nieta, quien lo ayuda en su lucha
para mantener consigo la invención de Cronos.
Análisis
En esta historia, el director nos pone un prólogo, que explica el origen del aparato y luego se ve el "presente" que es la historia del protagonista y los sucesos seguidos del descubrimiento del aparato. La Película tiene un formato oscuro y misterioso, el movimiento de la cámara normalmente es fijo, mostrando los movimientos de los personajes.
Los productores asociados que invirtieron en la realización
de este proyecto fueron la Universidad de Guadalajara, Jorge Sánchez, Rafael
Cruz, Antonio Hernández, Arturo Whaley y Julio Solórzano Foppa. Los
coproductores fueron Alejandro Springall y Bernard L. Nussbaumer.
En cuanto la narración abandona a su figura central y se
centra en la del moribundo empresario, el filme pierde fuelle y el tono del
mismo cambia de forma radical, alejándose por completo de lo que podemos
observar en su otra vertiente y haciendo gala aquí de una fuerte desorientación
palpable desde la butaca que queda ejemplificada en el personaje de Perlman y
en el humor negro que le acompaña, un humor que Del Toro irá perfeccionando con
los años pero que aquí todavía se muestra en sus formas más toscas.
Referencias
viernes, 24 de octubre de 2014
El Espinazo del Diablo
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Título Original: El Espinazo del Diablo
Nacionalidad: España, México
Año: 2001
Género: Drama, Terror
Duración: 106 min.
Director: Guillermo del Toro
Guión: Guillermo del Toro
Fotografía: Guillermo Navarro
Formato: Analógico
Música: Javier Navarrete
Producción: Guillermo del Toro, Pedro Almodóvar
Reparto:
Marisa Paredes ... Carmen
Eduardo Noriega ... Jacinto
Federico Luppi ... Dr.
Casares
Fernando Tielve ... Carlos
Íñigo Garcés ... Jaime
Irene Visedo ... Conchita
José Manuel Lorenzo ... Marcelo
Argumento
Trascurre el año 1939, recién
finalizada la guerra civil. Carlos (Fernando Tielve), un niño de diez años,
llega a un orfanato que acoge a huérfanos de víctimas republicanas. Su
presencia alterará la rutina diaria de un colegio dirigido por Carmen (Marisa
Paredes) y cuyo profesor, el señor Casares (Federico Luppi), simpatiza con la
perdida causa republicana. Además, le acechará el fantasma de uno de los
antiguos ocupantes del orfanato.
Análisis
La película El espinazo del diablo
es un drama que nos adentra en un mundo de sombras y misterios en un orfanato español
de los tiempos de la guerra civil donde un grupo de niños y adultos viven a
escondidas del ejército que ejecuta cruelmente a quienes se oponen al régimen
franquista y, como en toda la filmografía de Guillermo del Toro, se centra en
temas sobrenaturales, un fantasma habita en un foso de agua esperando hacer
justicia contra quien le ha quitado la vida, la trama cuida al máximo el
aspecto humano e histórico de la historia, las actuaciones de niños y adultos
son de primer nivel y los efectos especiales tienen el toque fino y especial
entre lo sobrenatural y lo humano de los personajes de Del Toro. Al final la
culpa, los remordimientos, el valor o la mezquindad ponen a cada personaje en
su sitio y la historia desenlaza en un final inesperado. Como dato sobresaliente,
citar que el historietista español Carlos Giménez realizó el story board de
diferentes secuencias y colaboró en la ambientación y decoración de diversos
escenarios. De hecho, la película tiene muchos puntos en común con la obra de
Giménez Paracuellos, de la que Guillermo del Toro es admirador.
Referencias
El Laberinto del Fauno
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Ficha Técnica
Título Original: El
Laberinto del Fauno
Nacionalidad: Estados
Unidos, España, México
Año: 2006
Género: Drama,
Bélico, Fantástico
Duración: 118
min.
Director: Guillermo
del Toro
Guión: Guillermo
del Toro
Fotografía: Guillermo
Navarro
Formato: Digital
Música: Javier
Navarrete
Producción: Alfonso
Cuarón, Álvaro Augustín, Bertha Navarro, Frida Torresblanco, Guillermo del Toro
Reparto:
Ivana Baquero ... Ofelia
Sergi López ... Vidal
Maribel Verdú ... Mercedes
Doug Jones ... Fauno / Pale Man
Ariadna Gil ... Carmen
Argumento
En la España fascista de 1944, una niña fascinada con los
cuentos de hadas (Ivana Baquero) es enviada junto a su madre embarazada
(Ariadna Gil) a vivir con su nuevo padrastro, capitán del ejército nacional
(Sergi López). Durante la noche, la niña se encuentra con un hada que la lleva
hasta el centro de un laberinto habitado por un fauno. El ser mitológico le
dice que ella es una princesa pero que debe demostrarlo superando tres retos.
Si no los supera, nunca podrá ser princesa ni reencontrarse con su padre
biológico: el rey.
Inicio
No hay créditos iniciales, la
película empieza con una de las escenas finales, conclusión anticipada.
Guillermo del Toro se inspiró en
el filme Sleepy Hollow (1999) o los cuentos de Los Hermanos Grimm para
escribirla y dirigirla. Es la película rodada en castellano más taquillera de
la historia. Fue estrenada en España el 11 de octubre de 2006, en México el 20
de octubre, y el 29 de diciembre fue el estreno general en los Estados Unidos.
Guillermo del Toro al ser
cuestionado sobre si el mundo de Ofelia era fantasía o realidad ha declarado: Para
mí, por supuesto… realidad.
La película fue rodada en los
pinares de San Rafael, localidad de la provincia de Segovia (España), entre
julio y septiembre de 2005. Ese mismo año, la finalización del rodaje de la
película coincidió con las Fiestas Patronales de San Rafael, donde Guillermo
del Toro fue pregonero de dichas fiestas. Otros exteriores fueron grabados en
las ruinas del pueblo viejo de Belchite.
Entre los festivales
internacionales en los que se ha exhibido la película figuran el Festival
Internacional de Cine de Cannes, donde se estrenó, el Festival de cine
fantástico de Sitges, el festival Buenos Aires Rojo Sangre y el Festival de
cine de Toronto.
La película fue elegida como
candidata oficial de México al Premio Óscar en la categoría de Mejor película
en lengua no inglesa. Esto fue posible gracias a que la Academia Mexicana de
Artes y Ciencias Cinematográficas decidió enviarla a competir, a pesar de que
nominalmente se trata de una coproducción hispano-mexicana-estadounidense,
tiene dirección y argumento de un mexicano, fotografía de un mexicano
(Guillermo Navarro), dirección artística de un mexicano (Eugenio Caballero) y
producción de una mexicana (Bertha Navarro), si bien parte del equipo técnico y
la casi totalidad del reparto (con las excepciones de Doug Jones y Federico
Luppi) es de nacionalidad española. Es la primera película del género de
fantasía nominada al Premio Óscar en dicha categoría.
A comienzos de marzo de 2007 se
mantenía con un 8,5 de nota en The Internet Movie Database (apareciendo en el
puesto 46 dentro de las 250 mejores películas para IMDb), un 96 sobre 100 en
Rotten Tomatoes y un 98 sobre 100 en Metacritic, apareciendo como la cuarta
película con más alta calificación de todos los tiempos.
A pesar de ser su sexto film como director, la génesis de "El laberinto del `fauno" ha supuesto una vuelta a los orígenes de su carrera, antes incluso de que él hubiera dirigido su ópera prima, "Cronos". "En las raíces, el guión de 'El laberinto del fauno' se parece mucho a la primera versión de guión de 'El espinazo del diablo', y podría haber sido mi primer film si hubiera conseguido el presupuesto necesario para hacerlo a tiempo. Aquella versión del Espinazo, estaba situada en la guerra civil española y contaba la historia de una mujer joven embarazada que se reúne con su esposo en una casa retirada. Mientras visitan la casa, la madre se descubre a sí misma en un jardín con forma de laberinto y en ese jardín se topa con un sátiro. Ella hace el amor con la bestia, que le propone sacrificar a su hijo para poder vivir eternamente en el mundo del laberinto. Pero Incluso teniendo esas similitudes, esas remanencias, la nueva versión de 'El laberinto del fauno es muy diferente, contiene un lado sentimental de principio a fin”.
domingo, 12 de octubre de 2014
Semiotica de la canción - I Want To Break Free
A continuación se presentará el video de una canción escogida para hacer un análisis
“I Want To
Break Free”
a) El acontecimiento musical.
“I Want To Break Free” (Yo
quiero ser libre) es una canción de la banda británica Queen, lanzada en 1984 como single del álbum The Works.
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| Album |
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| Cover |
b) Intervención de los medios como factor de difusión y continuidad.
La canción fue bien recibida
en muchos países pero en Estados Unidos no se dio a conocer mucho debido a que
algunas televisoras como MTV en ese tiempo no querían difundir el video musical
de la canción debido a su contenido, fue hasta 1991 cuando el video fue
mostrado en televisión en este país.
c) Las fronteras.
País
|
Posición
peak |
Fecha de permanencia
|
Semana(s)
|
Australia
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9
|
Julio
|
13
|
Austria
|
1
|
1 de Junio – 1 de Julio
|
14
|
Francia
|
9
|
8–15 de Diciembre
|
16
|
Alemania
|
4
|
11–17 de Junio
|
20
|
Irlanda
|
2
|
10
|
|
Nueva Zelanda
|
6
|
19
|
|
Países Bajos
|
1
|
26 de Mayo – 2 de Junio
|
12
|
Suiza
|
2
|
17–24 de Junio
|
16
|
Reino Unido
|
3
|
28 de Abril – 19 de Mayo
|
15
|
Estados Unidos
|
40
|
Mayo
|
8
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d) Discografía y su descripción.
1)
Queen
(1973)
8) The Game (1980)
2)
Queen
II (1974)
9) Hot Space (1982)
3)
Sheer
Heart Attack (1974) 10) The Work (1984)
4)
A
Night at the Opera (1975) 11) A Kind of Magic (1986)
5)
A Day
at the Races (1976) 12) The Miracle (1989)
6)
News
of the World (1977) 13) Innuendo (1991)
7)
Jazz
(1978)
14) Made in Heaven (1995)
Queen lanzó su álbum debút en
1973. A pesar de no tener éxito rápidamente, Queen se empezó a abrir camino en
Gran Bretaña con su segundo álbum, Queen II, en 1974. En 1972, Queen firmó con
Trident Studios. Tiempo después, Queen firmó un contrato record con EMI y
Elektra en los Estados Unidos. EMI sería su última discográfica. En 1983,
finalizó su contrato con Elektra y firmó con Capitol Records. En 1990,
nuevamente terminaron su contrato en Estados Unidos, para firmar con Hollywood Records.
En 1991, Queen lanzó toda su discografía, hasta el momento, remasterizada en CD
en los Estados Unidos, y trece álbumes (todos los de estudio hasta 'The Works',
inclusive, sumados a 'Live Killers', álbum en vivo, y 'Greatest Hits', álbum
compilatorio) fueron remasterizados en Abbey Road Studios y lanzados en CD y
Casete en el Reino Unido entre julio de 1993 y marzo de 1994.
e) El “disco”, sus condiciones de producción.
La canción es un single que
sale en el décimo álbum de la banda, The
Works. La grabación comenzó en los estudios Record Plant en Los Ángeles
(era la primera vez que Queen grababa en Estados Unidos) y Musicland en Múnich.
En esta misma época, Jim Beach, su representante, les ofreció la oportunidad de
componer la banda de sonido para la película The Hotel New Hampshire. El grupo
aceptó, pero enseguida descubrió que pasaba la mayor parte de su tiempo
dedicada a la banda de sonido y no en la preparación de su álbum, por lo que se
bajó del proyecto.1 Solamente una canción escrita para la película (Keep
Passing the Open Windows) fue incluida en The Works
f) Características de la composición musical.
a. La melodía.
b. El ritmo.
La mayor parte de la canción
sigue el tradicional 12 bar blues de progresión en Mi mayor. Tiene tres versos
con un puente, sin coro y relativamente pequeña sección de repetición.
c. La armonía.
Rock
d. El timbre.
g) Interdiscursividad musical y
poética.
El tema de amor presente como
protagonista " ha caído en el amor ", "no se puede superar la
manera en que me amas como lo haces " y " no quieren vivir solo”.
h) Dimensión histórica-cultural-social.
La canción y sobre todo el
video, dirigido por David Mallet, muestra la orientación sexual del vocalista
Freddy Mercury de abiertamente gay, en el video se muestran a él y a los demás
miembros de la banda vestidos de mujeres, personajes de una telenovela
británica, Coronation Street, esto
ayudó a impulsar el movimiento homosexual en Inglaterra y gran parte del mundo,
y fue aceptada en muchas partes, sorpresivamente el video fue vetado en Estados
Unidos ya que aún no se aceptaba mucho este tipo de hábitos y orientaciones. La
otra parte de la canción incluye una composición ensayada y actuada por el
Royal Ballet de Londres y la coreografía fue hecha por Wayne Eagling.
 |
| Foto de la apariencia de los integrantes en el video |
i)
Relación música-instrumentos.
Freddie Mercury - voz y coros,
sintetizador
Brian May - guitarra eléctrica
Roger Taylor - batería
John Deacon - bajo eléctrico,
guitarra acústica y rítmica
Fred Mandel - solo
sintetizador
j)
Relación música-lenguaje.
La idea principal de la
canción reside en su título que se repite a través del texto que consiste en
ser libre de expresar como se siente uno y quien es en realidad por dentro
escoger a quien amar y cómo vivir sin miedos.
k) Juicios reflexivos.
Personalmente creo que la
canción no forzosamente te orienta a un comportamiento homosexual, sino que
invita a que seas libre de ser quien eres y sigas tus sueños.
l)
Petrificación metafórica.
La canción ya está petrificada
como un himno homosexual cultural y socialmente hablando de manera metafórica.
m) Eje paradigmático-sintagmático.
n) Temas (objetos discursivos).
Rock británico, movimiento
gay, sentido de ópera, teatro
Bibliografía:
Kivy, Peter.(1990). Musical Alone,
philosophical reflectionon the pure solely musical experience. Chicago. Cornell University Press.
Ball, Philip. (2010). El instinto musical, escuchar, pensar y vivir la
música. Madrid. Ed. Tur I Want To Break Free. Pcpki.com. Retrieved on 2011-02-20.
Queen International Singles Chart Positions. Pcpki.com. Retrieved on
2011-02-20.
Volver arriba↑ Nielsen Business Media, Inc. (21 de julio de
1984). Billboard. Nielsen Business Media, Inc. p. 127. ISSN 0006-2510.
Consultado el 20 de febrero de 2011.
Queen – I Want To Break Free. lescharts.com. Retrieved on
2011-02-20.
Queen.com
Queen Songs – The Book: I Want To Break
Free. Queensongs.info. Retrieved on 20 February 2011.
Biografía de Queen en allmusic.com
(inglés)
Queen en Queenzone.com
Anuncio Publicitario de calle
Este anuncio muestra un mensaje que se planea sea decodificado por hombres en su mayor{ia y por mujeres, es una ironía, una broma que le ha sucedido a muchos hombres. Queda con el eslogan de la cerveza Tecate que dice "Es fácil ser hombre", en este ejemplo una mujer tendría más complicaciones para hacer del baño si se encuentra en el campo, por lo que un hombre puede facilmente ir a un árbol y ocuparse de sus necesidades.
Semiótica de la fotografía
A continuación presentaré una fotografía tomada por mí:
En esta fotografía retraté una botella de la cervceza irlandesa Guiness, utilicé un ambiente nocturno en contraste con que la cerveza es oscura y el toque dorado le hace ver como superior, ya que es una de las cervezas de mayor calidad del mundo, desenfoqué el fondo para que la mirada se quede en la botella y no se pierda.
jueves, 2 de octubre de 2014
1997 Pink Floyd “Back” Catalogue Poster
Esta fotografía fue tomada por el fotógrafo Tony May, para promocionar un catálogo de la banda de rock británica Pink Floyd, promocionada por la compañía musical EMI en 1997, fue tomada en una piscina bajo techo privada en Putney (distrito londinense de Wandsworth), el artista encargado de las pinturas corporales de 6 discos de la banda (Atom Heart Mother - 1970, Relics - 1971, Dark Side of the Moon - 1973, Wish You Were Here - 1975, The Wall - 1979 y Animals - 1977) fue Phyllis Cohen capturando la portada de los discos diseñada por el artista gráfico Storm Thorgerson, la identidad de las modelos es hasta la fecha desconocida.
jueves, 18 de septiembre de 2014
Semiótica de la Pintura
La Libertad guiando al pueblo
(La Liberté guidant le peuple)
Eugène Delacroix, 1830
260cm × 325cm
Museo Louvre-Lens, Francia
"He emprendido un tema moderno, una barricada, y si no he luchado por la patria, al menos pintaré para ella."
Eugène Delacroix
- Tema: Revolución, libertad, patriotismo, lucha.
- Color: Claroscuros, resaltando el tricolor rojo, blanco y azul
- Técnica: Óleo
- Colorema: Sombras, colores, luminosidad, grises, la mayoría del cuadro se ven sombras de edificios y cadáveres y gente armada que nos da la apariencia de una lucha.
- Volumen Topográfico: Exterior, es una campo de batalla donde hay personas tiradas y otras armadas, la figura central de la libertad es la que llama la atención porque va liderando al pueblo y tiene una iluminación propia, su postura y apariencia nos da la idea de la mujer fuerte, valiente y justa en la manera en la que se representa a la libertad..
- Variables Plásticas: El punto de fuga que se aprecia va en forma piramidal, con la punta de la bandera y se va hacia abajo con los personajes que están luchando.
- Universo y dinámica del color: Variables de oscuros y claros en la mayoría de los colores, el azul fuerte de la bandera y el azul tenue del cielo, el negro oscuro de las sombras y el gris del humo, da la sensación de que todo está destruido pero la luz que destalla la mujer da la sensación de esperanza.
- Nomenclatura de los colores: Los colores dominantes son los negros oscuros y grisáceos, que se van desde las personas, cadáveres y edificios en el fondo y una pequeña parte del cielo, también algo de blancos y amarillos.
- Luminosidad: Se destaca en la mujer con la bandera sobre todo y en la nube que está detrás de ella, lo demás son colores oscuros.
- Cromaticidad: Hay una buena separación entre colores que hace que no se mezclen desordenadamente, se ve en los ropajes que tienen, el cielo y la ciudad de fondo perfectamente.
- Tonalidad: los colores son más intensos en la mujer, la bandera y sus ropajes, en comparación con el fondo oscuro.
- Complementariedad: Lo luminoso de la mujer y el oscuro del fondo y de alrededor se complementan.
- Saturación: En el vestido de ella se toca el amarillo y el blanco.
- Polos Cromáticos: El blanco y colores blancos en la parte de arriba, sobre todo en el centro y los oscuros en la parte de abajo.
- Textura: Se utilizan colores pálidos con pinceladas sueltas destacando el azul, el rojo y el blanco de la bandera. Se da la sensación de movimiento, luz y color, junto a una pincelada suelta que en los planos posteriores que dan a entender que se están moviendo rápidamente.
- Profundidad: La línea del horizonte es algo inestable, sería la línea imaginaria entre las cabezas de la multitud al fondo del cuadro, que se difuminan con el humo y los edificios del fondo del lienzo.
- Contornos: Las lineas y siluetas de los cuerpos conservan esa separación del fondo que está cubierto por humo y se diferencian del horizonte con los edificios.
- Reglas Sintáticas: La posición de los personajes, la manera en que se ve la bandera y el humo dan a entender que hay mucho movimientos, que están en una batalla.
- Elementos Plásticos: Mujer, bandera, gente con armas, cuerpos tirados en el suelo, cielo, humo y edificios.
- Tinte: Blanco, negro, amarillo, ocre, azul y rojo.
- Tela: Lienzo
- Neutralidad o Desequilibrio: El dramatismo que se aprecia en el cuadro hace que haya desequilibrio.
- Fuerza Activa: La libertad y el pueblo tienen una fuerza que los hace parecer moverse.
- Fuerza Pasiva: La ciudad en destrucción por la batalla.
- Distancia: Se aprecia en el tamaño de las personas, los edificios y el suelo con el cielo.
- Perspectiva: La sensación de perspectiva está presente en la obra gracias a los edificios del fondo y a la multitud, que se va alejando y reduciendo en tamaño al fondo del lienzo.
- Análisis semiológico tipológico: El movimiento hacia adelante que se aprecia dan los personajes a pesar de la destrucción y muerte que hay alrededor dan la idea de valentía.
Bibliografía:
Noon, Patrick, et al. (2003). Crossing the Channel: British and French Painting in the Age of Romanticism. London: Tate Publishing.
Pastore, Stephen R. (2012) Zola and Delacroix: Genius Amidst the Turmoil. London: Oxford University Press
Pool, Phoebe (1969). Delacroix. London: Hamlyn.
Prideaux, Tom, et al. (1966). The World of Delacroix. United States: Time Life.
Toussaint, Hélene (1982). La Liberté guidant le peuple de Delacroix. Paris: Editions de la Réunion des Musées Nationaux.
jueves, 11 de septiembre de 2014
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